Archive for abril, 2014

abril 30, 2014

Aaron Embry – Yukoku OST (2009)

por Álvaro Mortem

a1174062577_10Si se habla poco o nada de las bandas sonoras de películas dentro del ámbito de la crítica musical, es por la dificultad intrínseca que tienen como objetos musicales mestizos: si bien sus cualidades son musicales, han sido concebidas como herramientas para enfatizar un discurso visual. La necesidad de contextualizar lo musical en lo visual requiere abordar el tema fílmico en cierta profundidad, lo cual puede hacer enojoso la labor del crítico no especializado. Salvo porque no debe hacer nada excepcional. La labor del buen crítico debería ser desgranar la narrativa interna, lo que intenta transmitir el autor, y por tanto en nada cambia a qué vayan asociadas las notas; si imágenes, ideas o sentimientos, todo aquel que biopsia una obra debería ser capaz de hacerlo en relación con lo que significa.

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abril 29, 2014

Marlon Dean Clift – Between The Devil And The Deep Blue Sea (2014)

por Xabier Cortés

a3030216940_10El acercamiento que muchas veces, demasiadas, hace la música hacia el Amor resulta irritante: se pierden en mensajes pueriles y proclaman lemas vacíos paridos en serie en alguna siniestra factoría. Se repiten esquemas, recuperan frases cliché y lo cubren todo con unas estructuras musicales de nulo calado y recuerdo fugaz con el único objetivo de epatar con el público para engordar egos y cartera. Un público, por otra parte, que es incapaz de demostrar su Amor —tanto de un lado como del otro— y necesita que otra gran factoría fabrique frases ñoñas con las que impostar una vez al año el recuerdo de lo que ellos (mal)entienden por amor. Unos receptores culpables de este crimen también, incapaces de construir una visión crítica hacia esos estímulos vacíos, dejándose llevar por la masa amorfa de la que será ya imposible escapar. El Amor —y el desamor, por supuesto— merecen dentro del Arte, y de la música en este caso concreto, un tratamiento sincero y desnudo; necesita ser representado sin máscaras, sin edulcorantes artificiales que enmascaran la víscera ni nos engañen a lo largo  del terreno escarpado que es una relación romántica. Sin máscaras ni edulcorantes se presenta Between The Devil And The Blue Sea, de Marlon Dean Clift: un relato descarnado y visceral sobre el amor, el desamor y su hipnótico y demencial laberinto.

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abril 28, 2014

Damon Albarn – Everyday Robots (2014)

por Álvaro Mortem

Damon Albarn - Everyday Robots (2014)Nunca es fácil volver al mundo. No es que sea difícil continuar una carrera después de haberla dejado parada un tiempo cara al público, ya que el hecho de no haber publicado en un tiempo no significa no haber estado trabajando, sino que es difícil confrontar las expectativas de un público siempre deseoso de novedades, de actualidad, lo suficientemente vistosas como para ser digeridas por lo contrario, por familiares; al artista siempre se le exige innovar cuando se quiere que permanezca siempre igual y se necesita que todo cambie. Al menos, en cierto grado. He ahí que toda obra nace de la contradicción de la fricción entre artista y público, ya que no hay peor enemigo para la obra que dejarse influir en exceso por lo que el presente pretende mostrar que es ahora el arte.

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abril 24, 2014

Wreck and Reference – No Youth (2012)

por Xabier Cortés

WreckAndReferenceNo en pocas ocasiones se tiende a abusar del término experimental para referirse a cualquier proyecto musical que se atreva a añadir elementos ajenos al género al que está adscrito. Confundimos pequeños detalles y giros con todo un ejercicio de experimentación cuando éste último se basa no sólo en forzar y retorcer los límites del propio género, también debe ser capaz de exprimir señales de otras influencias para adaptarlas a su idiosincrasia generando así un sonido complejo y avanzado, un sonido experimental en esencia. Más de lo mismo ocurre al referirnos a la música extrema: hemos llegado a un punto en el que la línea que separa lo extremo de lo agresivo es cada vez más difusa, para algunos, pero cuya frontera siempre estará bien marcada y asentada en sus raíces. Llevar un género al límite usando sus propios instrumentos y herramientas—convirtiéndose así y por derecho propio en algo extremo— para añadirle a continuación retorcidos elementos de otros géneros afines convirtiendo así a la obra en un compendio complejo de arte experimental sonoro. Wreck And Reference se sitúa en esa corriente en la que lo extremo se une a lo experimental para conseguir una obra densa y compleja como este No Youth al que hoy dedicamos estas palabras.

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abril 23, 2014

Taiheiyou Belt – Umikko Now!(5) (2010)

por Álvaro Mortem

folderVolver a los orígenes no significa retornar hacia lo que se hizo durante los tímidos primeros pasos. Si consideramos el término «origen» como algo más amplio, con perspectiva más abierta, deberíamos ver mejor a qué nos referimos: orígenes como todo aquello que define la evolución específica del artista, no aquello que ya hizo. Donde el retorno al pasado arruina carreras, el retorno a los orígenes las eleva; allá donde el pasado es lo superado, aquello que no se puede alcanzar, los orígenes son la guía absoluta a lo cual volver de forma periódica para no perder el rumbo, para recordar aquello que somos y para lo que nacimos. Sin orígenes no hay ni barco ni patrón, y sin ellos no tiene sentido el marinero.

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abril 22, 2014

Pharmakon – Abandon (2013)

por Xabier Cortés

PharmakonEl miedo a la muerte es algo inherente al ser humano. Perdemos la inocencia en el momento en el que somos conscientes del carácter finito de nuestra existencia y pasamos apresuradamente a aferrarnos a cualquier clavo arrienda que nos prometa algo más allá del cartel de game over. Algunos se refugian en la fe, otros en el conocimiento, los que menos comienzan una incansable búsqueda de hechos y pruebas para demostrar que existe algo más allá mientras que otros pocos comienzan a desbarrar acuciados por sustancias y brebajes de cuestionable salubridad e inciertos resultados. Un nexo común vertebra a todos ellos: el miedo a la muerte no desaparece. La muerte convertida en el tabú primigenio, la última frontera, el extremo más extremo dentro del extremo y, como no podía ser de otra manera, la muerte se convierte en un inmejorable caldo de cultivo para los artistas que huyen de los convencionalismos, saltan las barreras que el buenrollismo imperante en esta sociedad del «sonríe y los problemas desaparecerán» que nos venden y que nos bombardea sin piedad para centrarse en la muerte, en el dolor, en la oscuridad, en la nada. Pharmakon, moniker tras el que se encuentra la artista neoyorquina Margaret Chardiet, se envuelve de esta oscuridad prohibida y abraza la libertad absoluta para para dar forma a Abandon, su primera referencia.

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abril 21, 2014

X Japan – Blue Blood (1989)

por Álvaro Mortem

X Japan - Blue Blood (1989)Nada más aburrido que la ortodoxia. Como los lugares comunes, que por comunes están vacíos de significado, resultan fáciles de articular sin pensar por aquello que tienen de evidentes y fáciles de formular, ya que es el método más rápido para llegar a una conclusión sin por ello plantear algo; el problema, evidente: lo último que debería permitirse el arte es ser predecible en cada instante. Si uno se abandona a lo trillado, al automatismo de quien ha recorrido cientos de veces un trayecto y ya no necesita observarlo, debe pagar el precio de sólo poder interesar a los advenedizos: todos aquellos que conocen el trayecto no necesitan fijarse ni interesarse, ya que conocen cada momento del lugar. Esos platillos, ese solo, esos gritos. Transitar el camino conocido haciendo ver cambios en el mundo circundante, es el motivo del artista con interés propio.

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abril 17, 2014

Squarepusher x Z-Machines – Music For Robots (2014)

por Xabier Cortés

Vinyl sizeQue estamos avanzando en este siglo XXI estrenado hace ya unos años y no nos encontramos con aquellos inventos futuristas que se nos prometieron en nuestra juventud es una dolorosa verdad que no para de percutir en nuestro cerebro. El cine jugó al engaño y alimentó nuestra infante imaginación con sueños de patinetes voladores, ciudades en la Luna, energía limpia e infinita y demás hitos cuando la realidad se ha descubierto bien distinta y deprimente. Aún así, poco a poco nos vamos encontrando con pequeñas pistas, juegos y proyectos que nos invitan a pensar que, efectivamente, ese futuro prometido por el bombardeo sci-fi tenía sentido: los niños que admiraban hipnotizados esos cachivaches llenos de luces, esos robots humanoides y demás parafernalia sci-fi son los que ahora, ya crecidos, son capaces de dar forma a esas desbarros ideados por los guionistas y escritores de hace décadas. Así lo han imaginado un grupo de ingenieros japoneses —siempre un paso por delante en lides robóticas— que en colaboración con el compositor Kenjiro Matsuo crearon una serie de artefactos robóticos —bautizados como Z-Machines— capaces de interpretar música, no estamos hablando de una sencilla caja de ritmos y unos sintes. No, lo que crearon fueron unos engendros mecánicos con setenta y ocho dedos —en el caso del guitarrista— y veintidós brazos tras las platos, caja y bombos de la batería. Una vez creados sólo falta ponerlos a prueba y qué mejor forma que hacerlo con las composiciones de unos de los pilares del sello Warp Records, Squarepusher. El resultado: música para robots.

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abril 16, 2014

Taiheiyou Belt – Umikko Now!③ (2007)

por Álvaro Mortem

Taiheiyou Belt – Umikko Now!③  (2007)No hay secretos o imposibles en la evolución de un grupo. Aunque nos gusta creer que las rupturas y los saltos más que excepción son condición natural al artista, ya que arrogamos en la necesidad del santo talento —talento sin el cual no se podrían alcanzar ciertas cotas, pero no por ello más propio del artista que el trabajo— algo llamado trabajo, en realidad no existe artista que no preconice hasta donde puede llegar en sucesivos trabajos en cada uno que nos entrega. Todo nuevo proyecto es una profecía auto-cumplida. Cualquier pretensión de hablar de giros radicales o cambios bruscos pasa, en exclusiva, por la incomprensión del que escucha; si hay evolución y no mera ruptura, siempre hay asideros anteriores a los cuales aferrarse.

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abril 15, 2014

King Dude & Chelsea Wolfe – Sing More Songs Together… (2014)

por Xabier Cortés

King Dude_Chelsea WolfeSiempre resulta interesante y enriquecedor averiguar qué lleva a un grupo de artistas, cada uno con sus propios proyectos artísticos, a juntar sus caminos musicales en forma de pequeños retazos recopilados en un split. Una de estas motivaciones puede ser que esos artistas hayan sido capaces de encontrar un lugar común en el que, y aunque ellos ya hayan sido capaces de recorrerlo en sus respectivos proyectos, ambos puedan llegar a una experiencia más elevada fusionando su sonido en algo mayor y más contundente. También nos podemos encontrar, en no pocos casos, con que ese lugar común —tratándose de un split no podría ser de otra manera: lugares comunes— se presente como un sendero desconocido para todos los agentes implicados y que sólo a través de la fuerza que les otorga la unión de sus inquietudes artísticas son capaces no sólo de recorrer, también de ser capaces de explorarlo con garantías de que, efectivamente, existe algo en esa ramificación desconocida que les acerque a su objetivo final como artistas.

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