Burn In Hell – Spiderfightcatwaterhate (2011)

Despiertas sobresaltado, con la cabeza abotargada y la boca pastosa; no recuerdas como has llegado a este lugar. Todo parece extraño, no aciertas a identificar la mugrienta habitación que, supones, te ha acompañado durante la noche. El calor húmedo te oprime el pecho al mismo tiempo que un olor nauseabundo termina por golpearte en la boca del estomago obligándote a buscar respuestas —y alivio— en la calle. Tras recuperarte, a duras penas, de la implacable fortaleza de los rayos del Sol y tras quedarte fascinado siguiendo con la mano el rítmico tac-tac de la pata de palo cuyo dueño, un veterano pirata que te mira con desprecio, camina tambaleándose hacia a ti, escuchas a lo lejos una música que no atinas a reconocer pero que irremediablemente guía tus pasos. Descubres con alivio un antro mugriento del que parece salir tan lisérgico y magnético sonido y sin dudarlo dos veces cruzas el umbral para encontrarte, al fondo del minúsculo tugurio, con lo que parece ser un grupo de piratas golpeando y maltratando con precisión milimétrica sus instrumentos. Es el cabaret de los piratas, es Spiderfightcatwaterhate de Burn In Hell.

Los WebeloSS – Contra el Homo Sapiens (2000)

En ocasiones es necesario parecer un descerebrado. Del mismo modo que para tocar realmente mal antes hay que saber tocar bien —porque de no saber tocar bien un instrumento no es que se toque mal, es que no se sabe tocar—, para parecer fatuo y descerebrado para la mayor parte de la opinión pública es necesario realizar un esfuerzo de intelectualización de la estupidez. El estúpido se granjea con facilidad simpatías, apelando al sentimentalismo de los de su clase, pero la apariencia estúpida en su forma más pura consigue enemistar incluso a los genuinos estúpidos contra sí mismo. La mejor manera de detectar la imbecilidad ajena es ponerla en contraposición a una aparente estupidez perfectamente estudiada.

The Damned – Phantasmagoria (1985)

Nada permanece, todo muere. Lo que una vez fue algo vivido, límpido y brutal, en algún momento futuro será una fantasmagoría, una realidad que sólo vislumbrarse a través de las transparencias del tiempo en forma de recuerdos, revivals y parodias; todo decae, envejece, muere: sólo permanece lo que evoluciona, lo que tiene posibilidad de adelantarse al propio espíritu del presente cada vez que tiene ocasión de hacerlo. Los demás, quienes se dejan arrastrar por los pastos de un pasado que siempre les parece más verde, son aquellos que vagan como fantasmas por un mundo que ya ni siquiera reconocen. Ese es el destino de los viejos artistas, aquellos que no saben mantener el exigente ritmo del presente o morir a tiempo.

Turbonegro – Sexual Harassment (2012)

El rock and roll necesita urgentemente deshacerse de aquellos grupos y personajes que se pululan a su alrededor, se acomodan en la poltrona «canallita» y se dedican a perpetuar el cliché idiota de canalla-chico-malo del que tantos ejemplos ha exportado España y que por salud omitiremos en este artículo. El rock and roll tiene que ser peligroso, perjudicial para la salud y dejar en la cuneta a todos aquellos impostores que se escudan tras una estudiada pose «pasota» mientras prestan su imagen para los spots de tal o cual marca de cerveza. Chicos malos de rebajas. La leyenda nórdica del rock and roll punk y peligroso, Turbonegro, vuelve con Sexual Harassment para estampar contra el asfalto la cara de esos personajillos y sembrar el pánico entre aquellos incautos que se acercaron al rock and roll imaginando un mundo de bohemios canallitas que vomitan delicadas baladas al amor mientras se convierten en celebrities del más infecto de los papeles couché. La necesidad de alguien como Turbonegro va más allá de la simple existencia de un proyecto con las ideas claras y los riffs afilados; Turbonegro es el eje sobre el que gira todo un movimiento.

Placebo – Placebo (1996)

Ningún comienzo es sencillo porque nadie nace aprendido. Buscar una voz propia, una forma personal de comunicar todo aquello que tenemos dentro, sin caer en el personalismo vacío de significación, en la demagogia del «eso quiere oír el público» por bandera, es la ingrata labor de búsqueda a la que se enfrenta todo artista, si es que no todo humano; entrenar la voz, hacerla clara y fuerte, modularla para darle el tono adecuado, es la dificultad intrínseca contenida al intentar encontrar la autenticidad nacida de las entrañas. No hay arte sin introspección, sin arrancarse las tripas. Nadie nace preparado para hablar por sí mismo, incluso cuando la potencia de conseguirlo esté dentro de todos sin excepción; incluso cuando los que lo consiguen sólo descubren que duele mirar a los que no lo han hecho.

Niña Coyote eta Chico Tornado – Niña Coyote eta Chico Tornado (2013)

En esta santa casa somos amantes de las guitarras pesadas y densas, eso no es ningún secreto. También somos fieles devotos de las bases rítmicas contundentes y sin fisuras, cimientos sobre los que se posa toda la estructura musical que tengan a bien crear los implicados en el proceso. ¿Qué ocurre cuándo unimos esos dos elementos, y sólo esos dos elementos, en un mismo discurso? Descubrimos el poderío de una batería que no sólo sirve de base para el amplio despliegue guitarrístico que viene: también es parte indisoluble del conjunto, cuenta con su propia personalidad y no se limita a servir de simple metrónomo; comparte con la guitarra el protagonismo total de la obra. Así nos encontramos frente a frente con Niña Coyote eta Chico Tornado, dúo donostiarra que parece decidido a traer parte de la arena de los tórridos y eternos desiertos de Nuevo México y California al Cantábrico con su primera referencia. Y desde luego que lo consigue.

Turbowolf – Turbowolf (2011)

Cuando un artista se enfrenta a la dura e imprescindible tarea de definir su sonido, éste tiene que ser resultado de una reflexión profunda y minuciosa, más si cabe cuando en la mente del artista revolotea la idea de convertir su obra en una extraña máquina que es capaz de asimilar diferentes géneros musicales y vomitarlos como un todo coherente y sin atisbo de fisura en sus estructuras. Nos encontramos en muchas —demasiadas— ocasiones frente a casos, flagrantes en muchos de ellos, en los que ese discurso presuntamente meditado y a conciencia se pierde en una maraña de sonidos aleatorios: querer abarcar —y epatar— con tantas sensibilidades musicales consigue en estas ocasiones auténticos productos infectos en los que no es ni siquiera necesario dedicar ni una sola línea —y mucho menos nombrarlos— en este foro. Afortunadamente para nosotros, existen una pequeña estirpe de artistas —curiosamente muchas de ellas con su origen en el Reino Unido, cuna infinita de géneros y corrientes musicales de vanguardia—que consigue no sólo adaptar esos diferentes estímulos musicales en un todo coherente y homogéneo, también consigue construir un discurso diferente e innovador partiendo de unas premisas con decenas de años de tradición. Es el caso de Turbwolf y su álbum homónimo al que hoy dedicamos estas palabras en esta santa casa.

The Damned – Machine Gun Etiquette (1979)

Al punk se la ha definido de muy variadas formas, pero nunca se le ha catalogado con el adjetivo con el cual encajarían mejor algunos de sus grupos fundacionales: «dulce». La dulzura no tan pegajosa como agria, no agridulce sino con cierta felicidad chiclosa que se aplasta en el corazón. Con eso demuestran cierta bella animosidad, un instituto de felicidad subyugado por algún otro, que sin embargo aún queda patente a través de su deseo; su música es rápida, violenta y más rock que el rock mismo, pero a pesar de su violencia y actitud, en el fondo, son chicos dulces que sólo quieren ser amados. Sin ironía posible aquí. El punk es la (pen)última música romántica —ya que la última sería, como ya sabemos, el black metal—, porque recupera los grandes sentimientos como único motor legítimo de la vida, incluso cuando resulten dolorosos: amar o matar, horadar o reventar, odiar o derribar.

King Dude – Fear (2014)

Una de las mayores virtudes —y que para algunos es, a su vez, uno de sus mayores estigmas— que encontramos en un género tan profundo y sensible como el dark folk es su sencillez. Sencillez  de un género que se sostiene en conceptos musicales mínimos e imperturbables, adheridos a su vez en una profundidad conceptual importante cimentada en un ataque frontal a la superficialidad de una sociedad occidental herida de muerte. Derrocar sus valores vacíos proclamando e invocando antiguas lecturas y viejos preceptos, ésa es la verdadera misión del dark folk. ¿Qué ocurre cuando la geografía interviene en esta ecuación? ¿Es posible defender estos preceptos desde la lejanía de un continente —con sus propios valores, tradiciones y guiños— diferente?. Un género profundamente asentado en la vieja Europa puede tener su reflejo en norteamérica, así es como lo viene demostrando King Dude en su primer disco, Burning Daylight, y en su segundo lanzamiento, Fear, al que hoy dedicamos un espacio en esta santa casa.

Red Bacteria Vacuum – Killer Dust (2004)

El punk como fuerza de la naturaleza, como danza frenética, como obliteración de cualquier significado, ha ido desapareciendo paulatinamente en favor de otros estilos o formas más dóciles ya sea por su vinculación marcadamente pop o por su pueril visión política desarrollada en éstas. No existe punk sin jolgorio. Por eso añoramos esos tiempos donde el punk era cafre y sólo aparentemente apolítico, cuando se le lanzaban botellas al concienciado intensito que pretendía convertir a las masas según sus ideas políticas nacidas de una adolescencia tardía; se dan pocas patadas en la boca. Por eso el punk se cultiva hoy en el extrarradio.