Turbowolf – Turbowolf (2011)

Cuando un artista se enfrenta a la dura e imprescindible tarea de definir su sonido, éste tiene que ser resultado de una reflexión profunda y minuciosa, más si cabe cuando en la mente del artista revolotea la idea de convertir su obra en una extraña máquina que es capaz de asimilar diferentes géneros musicales y vomitarlos como un todo coherente y sin atisbo de fisura en sus estructuras. Nos encontramos en muchas —demasiadas— ocasiones frente a casos, flagrantes en muchos de ellos, en los que ese discurso presuntamente meditado y a conciencia se pierde en una maraña de sonidos aleatorios: querer abarcar —y epatar— con tantas sensibilidades musicales consigue en estas ocasiones auténticos productos infectos en los que no es ni siquiera necesario dedicar ni una sola línea —y mucho menos nombrarlos— en este foro. Afortunadamente para nosotros, existen una pequeña estirpe de artistas —curiosamente muchas de ellas con su origen en el Reino Unido, cuna infinita de géneros y corrientes musicales de vanguardia—que consigue no sólo adaptar esos diferentes estímulos musicales en un todo coherente y homogéneo, también consigue construir un discurso diferente e innovador partiendo de unas premisas con decenas de años de tradición. Es el caso de Turbwolf y su álbum homónimo al que hoy dedicamos estas palabras en esta santa casa.

Melvins – Stoner Witch (1994)

Siempre han existido escenas alternativas al mainstream a lo largo de la historia, salvo porque con el tiempo todo se vuelve homogéneo y parece que lo que adoramos hoy fue, por necesidad, algo conocido y aplaudido por las mayorías ya en su mismo tiempo primero. Aunque a veces ocurra eso, no es lo común ni por lo más remoto. Aquellos que se salen de la norma para abrazar formas fuertes de disidencia moral o cultural, los monstruos que abrazan una idea de arte que transciende incluso la opinión de su tiempo, han estado presentes siempre a lo largo de la historia; aquel que tiene algo que decir siempre tiene público, aunque sea reducido y extraño hasta que se le reconoce dentro de un movimiento más grande a través del tiempo.

Santo Rostro – Santo Rostro (2013)

¿Qué le podemos exigir al doom? Vayamos más allá de sus infinitas mutaciones y quedémonos con el germen: ¿qué es el doom? Queremos que el doom sea denso y pesado, queremos sumergirnos en un pozo de brea: jodidos e incapaces de pensar con claridad, notando como ese viscoso líquido se abre paso por nuestra boca, fosas nasales y oídos, invadiéndolo todo con su mugre negra. Queremos más, necesitamos que ante ese despliegue de intensidad sonora sostenida se proclame la devoción a alguna suerte de deidad oculta, queremos que se vomiten toda clase de mantras prohibidos bajo una insalubre atmósfera ácida, necesitamos sentirnos rodeados de todo este despliegue de Lo Oculto para poder afirmar que, efectivamente, esto es doom. Sucede que nos encontramos con un género de profunda tradición y poderosos progenitores por lo que resulta inevitable darnos de frente con una serie infinita de ramificaciones —algunas llevadas a cabo con exquisita brillantez, otras, sin embargo, rozando el ridículo— en las que resultará tan complejo como gratificante encontrar ese pequeño lugar oscuro, húmedo y brumoso en el que sentirnos como en casa. Santo Rostro no sólo han encontrado ese hueco, lo han convertido en un entrañable y mugriento rincón desde el que castigarnos con doom denso y negro.

Lumbar – The First and Last Days Of Unwelcome (2013)

Existe cierta tendencia —tendencia en la que servidor de ustedes ha caído en más de una ocasión—, en la cual sistemáticamente enmarcamos al noise como la única pieza musical, el único movimiento sónico que es capaz de afectar físicamente, amén de emocionalmente, al escuchante. Ocurre en ocasiones que un nuevo lanzamiento discográfico nos demuestra cuan equivocados —o, por lo menos, ciegos— estábamos y éste sirve de puñetazo sobre la mesa para hacernos despertar y ver que, efectivamente, lo físico no está únicamente relacionado con los preceptos que asentara Luigi Russolo en su manifiesto ruidista publicado en los primeros años del pasado siglo XX, que hay algo más. Es aquí donde hace acto de presencia The First And Last Days Of Unwelcome de Lumbar que no es otra cosa que un relato desnudo, crudo y doloroso llevado a cabo por Aaron Edge con el inestimable apoyo de Mike Scheidt (vocalista, guitarrista y fundador de los enormes YOB) y Tad Doyle (de TAD).

Om – Advaitic Songs (2012)

Quizás sea ya tiempo de reivindicar que dentro de la música —o alrededor de ella— debe seguir apareciendo una de sus facetas primigenias; su carácter ritualístico. En esta casa hemos reclamado, y siempre reclamaremos, lo indispensable del carácter visual de la música para poder tener el derecho a denominarse como tal pero tampoco hay que dejar de lado la arcana condición litúrgica de la música: originalmente, y yéndonos a las raíces propias de la música, no ya como un ente lúdico sino como un todo desarrollado para rendir pleitesía a alguna suerte de deidad. Podríamos afirmar, yo desde luego así lo hago, que el stoner —ese stoner pesado, lisérgico y brumoso— contiene mucho de esa espiritualidad por aquello de evocar entidades más elevadas que las mortales, aunque sea canalizándolas a través de sustancias de dudosa procedencia y composición. Om, proyecto surgido cuando la base rítmica de Sleep decidió dar rienda suelta a esas inquietudes cimentadas en la espiritualidad de oriente tras la interrupción de la actividad de su proyecto madre , así lo ha querido plasmar en su Advaitic Songs.

Aluk Todolo – Occult Rock (2012)

Desde que un anónimo bluesman Robert Johnson firmara la venta de su alma ante El Malingo en un cruce de caminos a cambio del éxito y habilidades musicales que la vida le había negado —así reza la leyenda, quizás el hombre blanco de aquellos duros años treinta era incapaz de comprender que aquellas personas que él consideraba inferiores pudieran crear verdaderas muestras de desparpajo musical sin que El Diablo mediara, sin que ello fuera una muestra de herejía— la relación de la música del siglo XX con lo oculto ha tenido numerosas manifestaciones, llegando éstas a materializarse en un lugar común llamado occult rock; un círculo en el que entraron a formar parte gente como Black Widow —aunque aparentemente su interés por lo oculto sólo durara un álbum, Sacrifice—, Coven, Jacula allá por los primeros años setenta. Pentagramas además de más parafernalia ocultista, pentagramas, un discurso más o menos sólido cimentado en las artes oscuras y un sonido denso reforzado por un oscuro viaje lisérgico hacia vaya-usted-a-saber-dónde eran las herramientas con las que contaban esta subterránea ramificación del rock para expandir su oscuro mensaje. El paso de los años relegó a este movimiento a un plano olvidado hasta que poco a poco bandas como Electric Wizard, Cathedral —el propio Lee Dorrian gestiona con mano de hierro un sello en el que dar salida a todo aquello que lleve el occult rock a otro nivel— e incluso, y salvando las distancias, Ghost, aunque queda por certificar aún el nivel de implicación de estos últimos ghouls para con el occult rock.

Hell – Hell I (2009)

El inevitable magnetismo que tiene en nuestra sociedad occidental hablar del Infierno – bien desde la perspectiva de una educación marcada por la tradición cristiana, bien por el inabarcable e hipnótico poder que emana todo lo maligno amén del constante efecto de rebeldía y transgresión que esto conlleva- ha servido a modo de inspiración para innumerables muestras artísticas. Desde la redención hasta la eterna condena el espectro que abarca algo tan amplio y abstracto -en el sentido de entenderlo como un ejercicio de introspección para purgar lo-que-sea que tengamos que purgar- son innumerables los vértices en los que artistas de diferentes disciplinas basan su obra; desde la adoración del Demonio de las bandas black metal más tradicionales hasta los alegatos por la libertad individual materializados en el ángel caído. Hell nos obliga a recorrer un Infierno diferente, aquí no huele a azufre ni encontraremos carismáticos personajillos con tridentes y cuernos, tampoco nos convertiremos en paladines de una libertad individual lejos del yugo cristiano. No. El Infierno de Hell está a miles de kilómetros de esta imagen, el paisaje que nos muestran es agónico e irrespirable pero estaremos solos ante el y sabremos avanzar sólo si seguimos los intrincados vericuetos que se nos muestran en su álbum Hell I.

Soundgarden – King Animal (2012)

Cada época tiene un principio tan difuso como lo es de hecho su final, porque ni siquiera con cierta distancia clarificadora del pasado podemos determinar exactamente donde comienzan y donde acaban aquellas divisiones que hemos decidido hacer dentro del devenir cultural del mundo. Es por ello que aunque no nos cuesta definir los 90’s como una época de camisas de leñador y greñas, con la generación X y Nirvana como receptores y catalizadores de la estética respectivamente, decidir donde empieza los 90’s (¿en el 88 con el Nothing’s Socking de Jane’s Adiction?¿En el 91 con el Nevermind de Nirvana?) se torna una elucubración tan compleja como ingrata; toda decisión de cuando ponemos el inicio de una cierta década asociada con un movimiento determinada siempre dependerá de lo que entendamos que definía de forma sustancial ese movimiento. Decir el sonido de los 90’s es una idea aproximativa, pero en caso alguno es una adscripción certera a una forma musical específica.

Marilyn Manson – Born Villain (2012)

Aunque pretendamos lo contrario, es imposible mantenerse siempre en la cresta de la ola que permite la más atrevida de las juventudes: somos seres vivos, ergo cambiamos. A este cambiar algunos lo llamarán madurar, otros quizás incluso envejecer, pero independientemente del nombre que se le propine a esta imposibilidad de mantenerse siempre en la misma condición del ser lo que está claro es que nos afecta a todos, sin excepción alguna. No nos resultaría así dificil pensar en algún grupo o artista que se vendió hacia el mainstream más vergonzosamente juvenil -por ejemplo, sí, HIM– como un intento desesperado de aferrarse en un triunfo que ni necesitaban ni les esperaba; incluso en ese cambiar hay que saber como cambiar, hacia donde dirigirse para no caer en el abismo. Pero aun cuando se abrace la mediocridad y el fallo en ese avanzar, siempre se puede volver hacia el camino correcto. Sin excepción.

Mark Lanegan – Blues Funeral (2012)

Si el fruto de ocho años de silencio es un disco como este, obliguemos a callar al 90% de grupos actuales. Mark Lanegan ha salido del reposo espiritual al que llevaba suscrito desde 2004, si exceptuamos las colaboraciones y proyectos compartidos con Soulsavers, Queens Of The Stone Age o Gutter Twins, y se ha sacado de la chistera un disco perfecto que supera cualquier expectativa que pudiéramos haber tenido en él. Trabajos como este, que rozan lo divino y se hacen difícilmente superables convirtiéndose en clásicos instantáneos, no ha habido muchos en la última década. Y Lanegan lo ha conseguido de una manera sencilla y brutal utilizando todo su bagaje y la amplia gama de recursos de los que disponía para sacar un disco del que se hablará muchísimo en el futuro.